Los primeros pasos que los alumnos realizan en Nueva Escuela dentro de la carrera de Animación 3D y Dibujos Animados. También poseemos multiples cursos relacionados a la animación. 

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¿Cuándo es Arte? por Nelson Goodman

Las bibliografías de estética están embarradas de intentos desesperados de contestar a la pregunta «¿qué es arte?» Esta pregunta, a veces confundida más allá de toda salvación posible con la que interroga «¿qué es buen arte?», se hace mas aguda en el caso del arte encontrado -la piedra recogida en una carretera y expuesta en un museo- y se agrava aun mas con el desarrollo de las formas de arte llamadas ambiental y conceptual. ¿Es obra de arte un parachoques de un coche, todo retorcido, que se expone en una galería de arte? ¿Qué cabe decir de algo que ni siquiera es un objeto, y que no se expone tampoco en una galería o en un museo, como podría ser, por ejemplo, el cavar un hoyo en Central Park y luego taparlo, como prescribe Oldenburg? Si tales cosas son obras de arte, ¿lo serán también todas las piedras de la carretera, todos los objetos y todos los acontecimientos? Y si ese no es el caso ¿qué es lo que diferencia lo que es arte y lo que no lo es? ¿Será arte porque así lo denomina un artista o porque está expuesto en una galería o en un museo? Ninguna de estas respuestas es muy convincente. Tal como comentábamos al comienzo, parte de los problemas nacen de plantear una pregunta equivocada, de no aceptar que una cosa puede funcionar como obra de arte en algunos momentos y no en otros. En los casos más cruciales, la pregunta pertinente no es «¿qué objetos son (permanentemente) obras de arte?» sino «¿cuándo hay una obra de arte?» o, por decirlo mas en breve, y con el título del capítulo, «¿cuándo hay arte?».

 Nelson Goodman nació en Somerville, Maryland. Se graduó en la Universidad de Harvard en 1928 y obtuvo su doctorado en filosofía en 1941. Dirigió una galería de arte durante 11 años en Boston, Massachusetts y se enlistó en el ejército estadounidense hasta el final de la Segunda Guerra Mundial. Luego enseñó 18 años en la Universidad de Pensilvania, participó en el Centro de Estudios Cognitivos entre 1962 y 1963 y entre 1964 y 1967 se desempeñó como docente en distintas universidades hasta que fue nombrado profesor en Harvard en 1968.

Agradecemos al Blog Ya sabes por la nota.

• Animación 3D con 3DMax
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Mirá todas las fotos del desfile de moda realizado el día 11 de Noviembre en el Jardín Japones.
Haciendo click en la imagen podrás verlas en nuestra galeria en Facebook.

Docente a Cargo: DG Juan Videla

CARACTERISTICAS:

Su diferencia con el taller tradicional, consiste en utilizar el monitor como bastidor y los programas de computación como paleta de pintura, con miras a la creación digital. La creación de la obra artística realizada con la participación de la computadora y sus periféricos como herramientas de trabajo.En este curso enseñaremos en una forma amena y sencilla a utilizar las herramientas básicas para aprender Arte Digital.La creación y el tratamiento de imágenes mediante procesos digitales empleando las técnicas clásicas.

TURNO Y HORARIO:
Lunes a viernes de 14.30 a 17.30hs.

Inicio: Lunes 18 de enero
Finaliza: Viernes 29 de enero

Costo total del curso: $ 750.-
10 clases de 3 horas.

TEMÁTICA:
1 Clase composición en adobe illustrator con tabla de valores.
2 Clase Efectos, valores de línea, mascaras.
3 Clase composición con 3 rostros distintos y texturas de animales
4 Clase Fotomontaje con elementos traídos por el alumno.
5 Clase composición vectorial tipográfica. Composición en original pluma boceto para xilografías.
6 Clase aerografía en photoshop deformaciones en cuerpos.
7 Clase operaciones reflejas combinando fotografías y vectores.
8 Clase Integrar cuerpo humano y animal.
9 Clase proyecto propio del alumno orientado por el docente.
10 Clase conclusión del proyecto digital impresión del mismo.

OBJETIVOS:
Adquirir experiencia y conocimientos teórico/prácticos de los métodos gráficos visuales empleados para el arte digital

DIRIGIDO A:
Estudiantes de diseño gráfico, Web, indumentaria, imagen y sonido. Comunicadores visuales en general. Publicistas. A todo aquel que desee adquirir entrenamiento y experiencia en su perfil artístico y ampliar su panorama aplicable a gráficas publicitarias, imagen corporativa y comunicación Web.

SALIDA LABORAL:
Agencias de Publicidad. Estudios de diseño. Área de marketing y/o publicidad en empresas. Diseño free lance (independiente).

REQUISITOS:
Conocimiento básico de alguno de los programas usados en diseño: illustrator básico, Photoshop básico.

Las inscripciones son presentando fotocopia de DOCUMENTO o PASAPORTE.

OBJETIVOS:
Finalizado el Curso, el alumno tendrá las herramientas necesarias, para poder organizar y desarrollar una producción, aprendiendo también a tener una actitud critica frente al fenómeno de la moda.

Horario: Miércoles, jueves y viernes de 17:30 a 19:30hs.
Total en 10 clases de 2hs: 20 horas

ENERO:

Inicio: Miércoles 06 de enero
Finalización: Viérnes 29 de enero

FEBRERO:

Inicio: Jueves 11 de febrero
Finalización: Viernes 26 de febrero

Costo: $ 490.- ( USD $ 130.-)

PROGRAMA:

INTRODUCCION: Presentación de Curso; Presentación de los alumnos; Comentarios generales de los objetivos a cumplir; Comentario a cerca del programa a desarrollar a través de los meses de cursada; Armado de grupos; Lanzamiento del 1er T.P a desarrollar;

TEMA 1: Análisis de Revistas de Moda Internacionales; Análisis de las Producciones; Análisis de Indumentaria y Textil de dichas producciones; Corrección del Análisis de cada grupo de manera personalizada;

TEMA 2: Búsqueda y Análisis de fotógrafos reconocidos mundialmente; Búsqueda y análisis de maquillaje utilizado por los grandes diseñadores para sus desfiles; Charla con Fotógrafos y Maquilladores de Moda, con muestra de trabajos y experiencias referido a sus trabajos.

TEMA 3: Explicación de la Estructura del Armado de Producción; Idea de Partido; Fuentes de inspiración; Armado de Pre producción; Producción; Post producción; Elección de Modelo (Casting); Elección de la Indumentaria y Accesorios; Locaciones; Armado de presupuestos; TEMA 4: Presentación de diseñadores más característicos del Siglo XX; Análisis de cada diseñador otorgado por grupo; Exposición de cada grupo;

TEMA 5: Realización de la 1era producción fotográfica; Temática: Representacion de un diseñador del siglo XX Utilización de toda la estructura de armado de producción; TEMA 6: BOOK: Elección de 1 Profesional Casting de Modelo a producir; Make up; Indumentaria y Accesorios; Locación (interiores o exteriores) Corrección y exposición de trabajos;

TEMA 7: EDITORIAL Tema de tendencia a representar; Casting de Modelo a producir; Make up; Indumentaria y Accesorios; Locacion (interiores o exteriores); Corrección y exposición de trabajos;

TEMA 8: GRAFICA Producto elegido a representar (indumentaria, accesorios, etc.) Casting de Modelo a producir; Make up; Indumentaria y Accesorios; Locacion (interiores o exteriores)

VACANTES LIMITADAS

“Es bohemia y le pinta el ménage à trois (le patina el disco duro) “

1) Cuando al público general se le dice “estudio Bellas Artes” se generan 5 posibles respuestas. Esa es la ganadora. En primer lugar creen que uno está loco.
2) En segundo lugar, “qué copado que alguien siga su vocación…”, omitiendo la otra mitad del pensamiento que por alguna regla social de tolerancia se decidió no decir en vos alta “… a pesar de que va a morir de hambre”.
3) El tercer;
4) Y el cuarto puesto rayan fallidos intentos de pulirse y de no pensar subliminarmente algo negativo.
5) Y recién en quinto lugar llega una respuesta en verdad novedosa: “Qué bueno que alguien ve que el camino de la vocación es el camino tranquilo, no exitoso ni superfluo, por el cual realizarse como persona, ser feliz, y hacer feliz a quienes le rodean. Y luego, cuando se es feliz, se atrae a quien gusta pagar e incentivar a quienes viven con alegría y profesionalidad. Por lo que valoro a la persona que hace lo que Es, porque solo ésa persona, alcanzará el éxito”.

 El tipo de determinaciones y opiniones del 1º al 4º puesto existen especialmente en países del tercer mundo o en vías de desarrollo como nuestra querida Argentina, donde el arte y la cultura todavía no son del todo valorados. En países de mayor capital hay, por regla directa, más aprecio cultural y la escala del uno al cinco que nombré se da exactamente de manera invertida.

 ¿Por qué nos es tan complicado aceptar que pensar como “ellos” es normal, sano, e incluso más real? La respuesta es simple. Paradigmas. Pero este no es el tema que quiero abordar, porque no le hablo a este público sino a quienes estudian arte. Como yo, a los primero que tenemos estos paradigmas. Nosotros.

 Empecé la carrera con este tipo de paradigmas susurrándome el que me iba a morir de hambre. En vez de un joven aspirante a abogado, que ve su carrera universitaria como una carrera sobre una pista derecha, de asfalto y sin nada en el camino, yo miré hacia adelante y encontré una intrincada carrera de obstáculos.

 Desde chica mis padres me enseñaron que si uno no hace lo que se Es, nunca se es feliz. La primera deuda que tenemos para con la sociedad, o nuestra primera misión, es Ser nosotros mismos. Solo luego del éxito personal, llega el profesional. Por esto es que respondí con un sí al sonido del silbato que indicaba empezar a correr la maratón de esa carrera de obstáculos…

 Al principio, la primera vez, empecé corriendo. Y me caí, una y otra vez. Hasta que me harté y dejé la carrera. ¿Era culpa de la carrera? No, fue una cuestión personal. Me faltaba madurar lo suficiente como para darme cuenta de que es inhumano hacer una carrera que tiene estos obstáculos, y el primer error estaba en creer que estos paradigmas eran ciertos. Cuando la dejé intenté en otras carreras, pero no era lo mío. Por lo que volví, y tras haber madurado en otros aspectos personales, miré la pista de obstáculos que una vez corrí y vi que cada paradigma estaba (y está) errado.

 Pero seguían estando en el camino que quería volver a emprender. ¿Cómo quitarlos? La forma de que algo no te perjudique, es sabiendo de su falta de verdad. Entonces, emprendí otra vez la carrera, pero caminando a gusto. Los primeros obstáculos se disolvieron cuando ante ellos, en vez de hacerme la heroica, me acerqué con vergüenza y sinceridad a personas ya experimentadas en arte a pedirles consejo. Las respuestas que me dieron eran mucho más de lo que les podía llegar a pedir. A cada obstáculo, hubo montones que crecer. Algo que desmentir, algo que aprender. Y a los obstáculos que no podía resolver en el instante, los dejaba ser y continuaba caminando con el peso que cada uno produce hasta llegado el momento y la persona indicada con la cual se resolvería. Una vez descubierta la verdad que no conocía, el paradigma se disolvía solo.

 Mi carrera como “aspirante A” (Aspirante A Artista) se trata desde entonces, en mirar para atrás y ver que en el camino que recorrí ya no quedan obstáculos. Y que los de adelante, son mis enseñanzas.

 Veo cuán diferente es recorrer esta carrera como lo hice al principio, a como lo hago ahora. Al principio había tanto por aguantar y enfrentar ciegamente que lo único que te llevaba a pensar es “soy una genia si logro esta carrera porque superé esto y aquello”… jaja que boba. En cambio ahora veo que eso era un falso autoestima basado en éxitos sobre premisas poco ciertas; Por lo que al fin y al cabo el éxito logrado no era cierto ni duradero. Ahora veo que la carrera de artista es tan normal, cierta, acertada, degustable y ordenada como cualquier otra carrera.

 Si hay algo que quiero compartir es que recuerdo bien que al sonar ese silbato por segunda vez, aún creía esos paradigmas. Y la única solución, reitero, fue hablar, abrirse, preguntar, reconocer, comentar, ayudar, decir, estudiar, ir, venir, estar, salir. Creo firmemente que esa parte “Bohemia” con la que el público general nos mal mete en una bolsa a todos los que estudiamos arte como “los egocéntricos zaparrastrosos, que se dan con quién sabe qué, y que pretenden vivir del aire”, es una capacidad mucho más alta que lo que se sabe de ella. Esa capacidad de lanzarse a lo desconocido con fe y seguridad, es un Don. Básicamente, es como lo describí, pero de madurarlo puede obtenerse de él una jugosa personalidad multicultural abierta y rica, capaz de moverse libremente en el aquejumbrado mundo para el que tantas personas no están hechas, el de las relaciones interpersonales. 

 Esta capacidad es la falta de miedo, la voluntad, la proyección, la inteligencia y la fe del artista, en cada una de las personas que lo rodean, y en sí mismo. Solo gracias a ella es que uno se Mueve. Hay que ser uno mismo, hay que moverse.

 “Para poder crecer hay tres cosas a tener en cuenta: 1) Estudiar, el cerebro nunca tiene que enfriarse, hace bien mantenerlo a ritmo tibio. 2) Mirar, moverse, ir a galerías, estar al tanto de lo último, saber qué pasa en el ambiente. 3) Producir lo propio, subjetivamente. Sin uno de estos tres pasos, no se está creciendo completamente y de hecho no se producirá el tercero de manera correcta.” – María Jesús Gnecco, artista plástica, profesora Nueva Escuela.

 Un artista está hecho para moverse, para madurar su faceta “bohemia”, por así llamarla, hasta transformarla en la herramienta clave que nos permitirá realizar los 3 pasos constantemente a la vez.  Y, si, en las vacaciones muchos nos pondremos mochilas y haremos footing… junto con nuestros amigos de otras carreras.

 Como conclusión, la razón por la cual decidí contarles estas experiencias y perspectivas no es buscar adeptos a mis pensamientos, sino compartir las cosas que me desmentí a mí misma, y que quizás algunos gustarían por fin leer. Confío en que cada lector sabe y distingue qué es de opinión y qué corresponde a la afinidad al Arte y a su forma determinada de maquinar las ideas. Como estudiante, como persona que le gusta el arte, como hija, hermana, amiga, y creyente, les doy la posta que aprendí, para con gusto escuchar la ajena, y así crecer juntos.

 María Josefina Watson Lozada – Nueva Escuela, Bellas Artes, Turno Noche.

Te esperamos!

Para inaugurar la sección entrevistas. En esta primera entrega, el profesor de Diseño de marcas responde las preguntas de Nueva Escuela de Diseño y Comunicación.
Muchas gracias a el por la atención.

¿Qué es el Diseño de una Marca?

El diseño de marcas es uno de los mayores desafíos para los diseñadores,
ya que se deben resolver anticipadamente problemas que serán planteados
con las futuras aplicaciones de la marca (permanentes y diversas comunicaciones
de la organización).
Pero además, una marca como símbolo identificador debe ser flexible a una
enorme cantidad de requisitos técnicos para ser considerada de buena calidad.
De esta manera, la marca, como elemento gráfico, tendrá un buen rendimiento técnico.
Este simple elemento gráfico tiene la misión de identificar a una organización en el
medio social en el cual se deberá desarrollar. No solamente a su público objetivo.
Es el equivalente al nombre de una persona, y la marca (la firma) es su forma gráfica inconfundible.

¿Por qué es tan importante el desarrollo de la imagen de una organización?

La aplicación de criterios técnicos para el desarrollo de marcas de buena calidad,
hacen posible que el medio social en el cual la organización se desenvuelve, perciba
a la organización a través de una imagen homogénea construída en base a:
~ sus comportamientos, como la calidad, la atención, los locales; y sus actitudes
en el medio (es decir: la sociedad, el mercado, los consumidores y los no consumidores
de sus productos, servicios o ideas), sus actividades, la RSE, su utilidad para la sociedad, etc
~ sus comunicaciones estratégicas.
~ y sus sistemas gráficos estandarizados.
De la mezcla de estos parámetros controlables (y otros no controlables) se va revelando
y decantando la imagen de una organización.

¿Es posible transmitir la Cultura Organizacional a travès de una Marca?

No. La marca se va llenando de significados (positivos, negativos o ambos)
en la medida que la organización se expresa a través de los 3 puntos descriptos
anteriormente.
Pero de ninguna manera se puede transmitir por ejemplo:”calidad” a través de un
color o unas formas. Y por más que esto fuera posible, la verdadera y definitiva imagen,
es la derivada de las actitudes reales y concretas de ésta en el tiempo.
En definitiva, una marca podrá sugerir “solidez”, pero si la organización no es sólida,
la marca entonces se impregnará de los verdaderos valores y su presencia transmitirá
todo lo contrario.

PABLO SLELATT COHEN
Trayectoria docente:
Profesor del curso de Diseño de Marcas en el Instituto Nueva Escuela de Diseño y Comunicación.
Docente de interfases gráficas en diversas instituciones de capacitación profesional.
Diseñador Gráfico y Lic. en Publicidad especializado en desarrollo web, diseño de imagen
corporativa, papelería comercial e interfaces gráficas.

• Mi Primer Paso
• Mi Primer Foto
• Mi Profesion
• Mi Primer Portfolio

A Cargo de Mario Castañeda (Coordinador de la Carrera de Dirección de Fotografía)

Lugar de Realización: Av. Callao 67, Cap. Fed.
Más Información: info@nuevaescuela.net / 4371-4540

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